martes, 20 de marzo de 2018

2666




No tengo mucho tiempo, estoy viviendo. No tengo mucho tiempo, me estoy muriendo.
Roberto Bolaño; 2066.

2066 es una obra compuesta de cinco partes que giran en torno a la búsqueda del enigmático escritor Benno Von Archimboldi y a los feminicidios de Ciudad Juárez. A partir de aquí las historias se van diversificando y el libro recorre diferentes momentos del siglo XX que nos sitúan en las guerras mundiales, en la América de los Panteras Negras o en el manicomio donde estuvo recluido Leopoldo Panero. A pesar de encontrarnos ante una novela compleja y, dicen, inacabada, 2066 se ha convertido en un libro de referencia y en un hito que culmina la obra de Roberto Bolaño.

De todos los temas que aparecen en 2066, nos quedamos con uno que cobra especial relevancia debido a la situación por la que estaba pasando el autor: el tiempo que se agota. En este blog hemos comentando la forma en que el concepto tiempo aparece en diversas novelas, pero quizás nunca desde el punto de vista  que aquí se nos ofrece. En unos casos el tiempo se planteaba como algo flexible y moldeable y en otros como inexistente, pero para Bolaño se presenta de una forma cruel: eres joven pero el tiempo se escapa y te mueres. 

Todo ello da lugar a que todas las partes de la novela, y especialmente la última, estén marcadas por esa sensación de últimas oportunidades, lo que provoca una serie de interesantes reflexiones sobre el concepto tiempo desde el punto de vista de final de una vida. Entre todas esas ideas aparece, por ejemplo, la de los universos paralelos, que es la respuesta que da el personaje de Ansky cuando se pregunta sobre lo "que quedara cuando el universo muera y el espacio y el tiempo mueran con el". 

La lectura de 2066 es todo un reto a reflexionar sobre las ideas de mortalidad e inmortalidad, de realidad y apariencia o de destino, pero también de lo que significa ser escritor, del concepto de obra maestra y de las oportunidades que hemos de aprovechar para desarrollar nuevas vidas de acuerdo a nuestros principios ahora que todavía podemos.

Bolaño presenta sus sentimientos ante la pregunta ¿donde va el alma cuando el cuerpo muere? Aún sabiendo que detrás de toda respuesta inapelable se esconde una pregunta todavía más compleja.

"Toda esa luz está muerta -dijo Ingeborg-. Toda esa luz fue emitida hace miles y millones de años. Es el pasado, ¿lo entiendes? Cuándo la luz de esas estrellas fue emitida nosotros no existíamos, ni existía vida en la tierra, ni siquiera la tierra existía. Esa luz fue emitida hace mucho tiempo, ¿lo entiendes?, es el pasado, estamos rodeados por el pasado, lo que ya no existe o sólo existe en el recuerdo o en las conjeturas ahora esta allí, encima de nosotros, iluminando las montañas y la nieve y no podemos hacer nada por evitarlo" .

domingo, 3 de diciembre de 2017

Glenn Gould




Pocos pianistas sorprendieron de la forma en que Glenn Gould lo hizo, tanto por su personal forma de interpretar las obras de Bach, Beethoven o Schönberg como por su peculiar aspecto y su forma de sentarse al piano en una pequeña silla. Pero de lo que no cabe duda es de que fue uno de los grandes innovadores en el campo de la interpretación clásica, un excéntrico que abandonó los conciertos en directo en 1964, cuando estaba en lo más alto de su carrera, para poder centrarse en sus escritos, sus programas de radio y en el trabajo en el estudio, al que llegó a convertir en un elemento más de la interpretación.

Este cambio del directo al estudio, coincide con un momento muy importante. A mediados de los años sesenta la venta de discos estereofónicos superaba por primera vez a la de los discos monofónicos y los nuevos equipos estéreo de alta fidelidad comenzaban a ser habituales en las casas de los melómanos. Ahora la música se podía escuchar en el salón con una calidad bastante buena. Gould, quien siempre estuvo muy interesado en las últimas innovaciones técnicas, sabía que estaba produciendo discos para este público y en su cabeza rondaba la idea de que la audición de una pieza no se debería limitar a sentarse en un auditorio y dejar que los músicos proyectaran la música unidireccionalmente. El manejo del equipo estéreo de casa, aunque de una forma muy limitada, significaba un acto interpretativo por medio de la elección de la obra, el manejo del volumen, tono y balance e incluso del lugar y el momento de la escucha. Todo esto significa que el oyente pasa de ser espectador a partícipe. De ahí la importancia del estudio: el hecho de disponer de un número de horas prácticamente ilimitado para la grabación de sus discos permitió a Gould repetir las piezas tantas veces como fuera necesario hasta alcanzar la versión deseada, su grabación de referencia.  Esa que el oyente se lleva a su casa y puede escuchar todas las veces que quiera siempre con la misma calidad sonora e interpretativa.

Muy pronto, el estudio dejó de ser para Gould únicamente un lugar donde grabar y también se convirtió en un lugar para la innovación donde se podían utilizar recursos imposibles de usar en directo. Teniendo en cuenta que la experimentación en la música clásica no es lo mismo que en el rock, Gould también fue un precursor en su campo al igual que The Beatles o Brian Wilson lo hicieron en el suyo. De esta forma, empleó técnicas como el uso de la reverberación electrónica o la manipulación de las cintas juntando trozos de diferentes sesiones. Pero sin duda alguna lo que más sorprendió en el campo de la interpretación clásica fue su uso del overdubbing (superposición de diferentes grabaciones) para conseguir interpretaciones a cuatro manos, tal y como hizo en la parte final de su grabación de la versión para piano del preludio de Die Meistersinger. Esto, que desde el punto de vista del mundo clásico suponía algo vergonzoso, fue precisamente lo que se resaltaba en las notas que acompañaban al disco como virtud.

Otro ejemplo de especial relevancia es la forma en que Glenn Gould estuvo trabajando con sus ingenieros de sonido la Sonata 5 de Scriabin. Se utilizó una técnica que denominaron “acoustic orchestration” y que consistía en utilizar diferentes disposiciones de micrófonos: dentro del piano casi tocando las cuerdas, a 1,50m, a 2,50m y, finalmente, apuntando hacia la pared para recoger la reverberación. Según sus palabras “decidimos grabar toda la pieza empleando cada una de estas cuatro disposiciones para, dentro de un tiempo, reconstruirla, estudiar la partitura y ver qué se puede hacer con las tomas más alejadas, con las más cercanas, escoger dos, fundirlas, saltar de una sección a otra…”.

También podríamos mencionar el interés que le suscitaba la grabación y reproducción cuadrafónica. Aunque no llegó a ahondar demasiado en el tema, sí que llegó a grabar diferentes líneas de una misma sonata para luego ser reproducidas en un equipo cuadrafónico.

Su muerte a los 50 años, en 1982 y a las puertas de la revolución digital, nos dejan con la intriga de lo que hubiera sido capaz de aportar a la música clásica en un mundo en el que sus innovaciones ahora son hechos comunes.


martes, 18 de julio de 2017

World Listening Day 2017


Mind Revolution participa en el disco Escuchando el suelo #WLD2017 con la obra sonora Fábrica de Loza de San Claudio.

Este album es el resultado de la convocatoria que lanzó Mapa Sonoru con motivo del Día mundial de la escucha 2017



+info
mapasonoru.com
mindrevolution.es

martes, 23 de mayo de 2017

¡Despierta!





Mind Revolution participa en el libro Oviedo, editado por Ediciones Pata Negra, con la obra sonora ¡Despierta!
Miércoles, 24 de mayo, a las 19:00 horas, en la sala de exposiciones del Edificio Histórico de la Ubiversidad de Oviedo, en la calle San Francisco. 
La presentación estará a cargo de Francisco Borge López, Vicerrector de Extentensión Universitaria y Proyección Internacional; Alfonso Palacio, Director del Museo de Bellas Artes de Asturias y Fermín Santos, editor de la publicación.




+Info
Mind Revolution
Ediciones Pata Negra 

miércoles, 12 de abril de 2017

David Bowie / David Bowie




El 1 de junio de 1967 The Beatles publicaron Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band, uno de los discos más influyentes y valorados de la historia. Curiosamente, ese mismo día también se editó David Bowie, el disco más despreciado y menos valorado de su autor.  Pero si le dedicamos un poco de tiempo, las cosas podrían cambiar un poco y quizás este disco tenga más valor del que en principio se pensaba, ya que aquí aparecen varios  aspectos que Bowie desarrollaría posteriormente en su carrera.

Quizás lo más destacable sea que Bowie presenta una propuesta sonora muy diferente a los sonidos de moda y a la psicodelía que poco a poco se iría imponiendo. Al contrario de muchos de sus contemporáneos y de lo que normalmente se piensa, Bowie no desarrolló su música a partir de las raíces del rythm’n’blues y de los sonidos negros americanos; su influencia estaba en el music-hall y en el teatro. La propia instrumentación del disco ya lo demuestra: solamente una guitarra, acompañada de piano, bajo, metales, maderas y cuerdas. Si a esto añadimos que el single Rubber Band vio la luz el 2 de diciembre de 1966, Bowie se adelanta en más de seis meses al comentadísimo y admirado uso de instrumentos de metal y madera que los Beatles hicieron en el mencionado Sgt Peppers.

Por otra parte, la voz de Bowie pretende ser la de un actor que nos cuenta una serie de historias sorprendentes: el soldado Frankie sospechoso de abusos de menores (Little Bombardier), el problema de identidad sexual de una soldado que está en el ejército solamente para ligar con chicas (She’s Got Medals); en otro momento nos cuenta la vida de un asesino de niños (Mr. Gravedigger) o pretende “legalizar el aborto masivo y hacer la vista gorda al infanticidio” (We are Hungry Men).

El disco fue un fracaso y ni siquiera Bowie lo tuvo nunca en consideración. Casi siempre aparecía en versiones de saldo baratas y nunca fue objeto de una reedición decente hasta el año 2010 en que se presentó una edición “deluxe” con las versiones mono y estéreo junto a varios singles y grabaciones inéditas. Decididamente, no es este un disco fácil, pero sí es un documento de un valor incalculable para todo amante de la música que quiera completar y comprender en su totalidad una de las carreras musicales más impresionantes de toda la historia.

Como curiosidad final, probablemente Mr. Gravedigger sea la primera canción pop hecha completamente con grabaciones de campo: la voz de Bowie sobre una base de lluvia, truenos, pájaros… y ningún instrumento convencional. ¿Arte sonoro en el pop de 1967?